martes, 30 de agosto de 2011

David "Honeyboy" Edwards 28 Junio 1915 - 29 Agosto 2011

El 16 de octubre de 2004, el Majestic Theater de Dallas reunió en su escenario a cuatro figuras imprescindibles del blues, cuatro leyendas vivas cuyo rango de edades oscilaba entre los 89 y 94 años. Cuatro músicos con toda una vida dedicada al blues, ellos eran la auténtica historia de esta música. Durante ese concierto los cuatro recibieron el premio honorífico más importante que se da en USA en el apartado de las Artes Tradicionales, “The National Endowment for the Arts Heritage Fellowship Award”. Los cuatro artistas reunidos para ese emblemático concierto fueron Henry Townsend, Robert Lockwood Junior, Pinetop Perkins y David Honeyboy Edwards, y el evento se recogió en un disco en directo editado por The Blue Shoe Project “Last of the Great Mississippi Delta Bluesmen”.
Han pasado casi 7 años y hoy, 29 de agosto, nos ha dejado el último vestigio del auténtico y original blues del Delta, el último representante de una generación de bluesmen que nacieron a principios del siglo pasado, David Honeyboy Edwards, cantante, guitarrista y armonicista, nacido en Shaw, Mississippi, el 28 de junio de 1915. Tenía 96 años.
“Little Old Honey” le llamaba su familia desde niño, y donde se crió así era conocido, tanto por los blancos como los negros, por lo que cuando inició su carrera discográfica eligió desde el primer momento el apodo “Honeyboy”. Desde los 9 años estuvo recogiendo algodón y su vida se desarrolló como la de cualquier familia afroamericana en el sur de los Estados Unidos en los años 20 del siglo pasado, una existencia oscura y miserable. Pero siempre tuvo una visión positiva, los recuerdos de sus primeros años se ceñían a los buenos momentos. Con 14 años
su padre le enseñó los rudimentos de la guitarra y a pesar de los duros trabajos agrícolas consigue tocarla correctamente. Estamos en plena Depresión y decide coger un tren clandestinamente que le lleve hasta Memphis. Antes de partir ya había conocido a colosos del blues del Delta, como Robert Petway, Tommy McClennan o Tommy Johnson. Su viaje dura muy poco ya que tanto él como la gran mayoría de sus acompañentes son dtenidos y llevados a la granja penitenciaría de Weldon Willis. Esta experiencia es terrible pues a pesar de las condiciones duras de vida de la población negra, él es un adolescente y ve morir a compañeros por los golpes de los guardianes. Al final consigue ser liberado y regresar con la familia.
En 1932 en una fiesta en la plantación ve a Big Joe Williams, el gran vagabundo del blues. Ëste le hace tocar una o dos canciones y se compromete a enseñarle. Pide permiso al padre de David y se lo lleva por los caminos de Mississ
ippi durante 8 o 9 meses. Eso sí es conseguir el posgrado en la escuela del blues.
En 1935 llega a Memphis, ya solo, y conoce a Memphis Minnie, Frank Stokes, Sleepy John Estes, Yank Rachell, etc.. y toca con miembros de la Memphis Jug Band original, como Will Shade, asociándose con un jovencito armonicista que había aprendido de Shade. Este muchacho sería conocido más adelante como Big Walter Horton.
En 1937 conoció a Robert Johnson en Greenwood, mientras éste estaba tocando en la calle. La memoria de Edwards es proverbial. Recuerda sucesos acaecidos en esos años 30 como cuando se refiere a la Navidad de 1937 y un chaval se le acerca y le dice que le había visto tocar, que se llamaba Riley King y que también tocaba la guitarra. Era B. B. King cuando cantaba en un coro y aún no era conocido.
En 1942 Alan Lomax le graba para la Biblioteca del Congreso con la mala suerte de que un problema técnico estropea en parte estas grabaciones realizadas en Clarksdale y por las que Lomax le paga 20 dólares. En 1992 Earwig editaría estas sesiones aunque algunas de ellas bastante amputadas, en torno a los 30 segundos de sonido.
En 1951 graba en Houston cu
atro títulos para el pequeño sello ARC, cuya difusión es muy local. En 1953 realiza una versión de Sweet Home Chicago magnífica para el sello Sun de Sam Phillips, pero éste que está muy encoñado con iniciar la carrera de Elvis Presley no le garantiza la difusión. Ese mismo año graba cuatro temas para Chess, sin embargo los hermanos temerosos de que pudiera hacer la competencia a su figura en ese momento, Muddy Waters, dejan sin publicar las grabaciones que permanecen inéditas durante 20 años. La mala suerte se ceba en Honeyboy Edwards. Y la carretera sigue siendo su único hogar para el éxito. En 1968, participó en las sesiones que Fleetwood Mac realizaron en Chicago con la mala fortuna de que un ingeniero de sonido borró las grabaciones en que Edwards atuaba como líder.
En 1972, Michael Frank, vió a Edwards actuando en un club en Chicago. Al año siguiente se convirtió en su agente artístico antes incluso de poner en marcha su sello Earwig. En 1981 consiguió juntar a Sunnyla
nd Slim, Big Walter Horton, Floyd Jones, Kansas City Red y Honeyboy Edwards grabándoles un fantástico disco totulado “Old Friends”. En 1997 consiguen publicar la autobiografía del músico, un libro de lectura obligada, “The World Don’t Owe Me Nothing”. Desde 2005, Frank le consiguió casi 100 actuaciones por año, haciendo él de acompañante con la armónica.
El mundo del blues ha vuelto a quedarse más huérfano, uno de sus más insignes representantes ha decidido dejar de tocar el viejo blues del Delta para nosotros y se ha ido al más allá con sus viejos compañeros para continuar junto a ellos su particular “Roamin’ and Ramblin’”.

domingo, 14 de agosto de 2011

Entrevista a Jeff Konkel - Broke & Hungry Records
















Han transcurrido casi 6 años desde que Jeff Konkel, un nativo de Saint Louis, Missouri, decidió fundar un pequeño sello discográfico, al que denominó “Broke & Hungry Records”, con el firme propósito de mantener viva la llama y la tradición del más puro country blues. Hasta la fecha ha publicado ocho dis
cos, el último doble, y un DVD que es una película rodada en un viaje a través de Mississippi, un viaje por los caminos del blues, filmando a importantes figuras del blues rural. El DVD está acompañado de dos CDs que recogen la banda sonora de la película. Los músicos grabados por Broke & Hungry podemos definirlos como profesionales aunque la mayoría de ellos ha pasado la mayor parte de su vida tocando de manera informal en los porches de las casas o en los juke joint locales sin ninguna pretensión en grabar o en hacer giras. Jeff Konkel ha tenido la amabilidad de respondernos a esta entrevista por correo electrónico. (las dos fotografías son cortesía de Jeff Konkel)

1. Jeff, comenzaste con Broke & Hungry en el otoño de 2005 ¿cómo te surgió la idea?

Llevo siendo un fan del blues rural y, especialmente, del Delta blues desde que tenía 18 o 19 años pero nunca había considerado comenzar con mi propio sello hasta que una noche de octubre de 2005, mientras me encontraba en un juke joint de Mississippi, sentado tomando unas cervezas con un amigo y quejándome de cuántos grandes artistas de blues rural eran desconocidos fuera de sus localidades de origen, decidí poner en marcha mi propio sello con el objetivo de ayudar a esos artistas a ser conocidos por el resto de la gente.

2. Me encanta el nombre “Broke & Hungry” ¿es un modo de referirse a tener, en los tiempos que corren, un sello dedicado al country blues?

Bueno, siempre me ha gustado el viejo tema de blues “Broke & Hungry Blues”(1) y pensé que el nombre se prestaba muy bien para un sello como el mío. No nos enfocamos en creaciones de estudio muy elaboradas y sabemos que nunca nos haremos ricos con esta música. Es una forma bonita de hacer saber a la gente que no nos tomamos nosotros tampoco demasiado en serio.

3. Empezaste grabando a Jimmy “Duck” Holmes. Es de una localidad tan particular como Bentonia(2), con guitarristas tan concretos como Skip James o Jack Owens. ¿El blues de Bentonia es el que más te gusta? ¿Cómo te pusiste en contacto con Holmes?

La verdad es que soy un gran admirador del estilo de blues de Bentonia. Skip James y Jack Owens son de mis artistas de blues favoritos así que cuando descubrí que había otro músico de su ciudad tocando un estilo similar, decidí grabarle. Por supuesto que Holmes tiene su propio estilo y lo incorpora a su música. Aunque aprendió de Jack Owens, tiene su propio y distintivo estilo.

4. ¿Cuál es el papel que desde el principio ha jugado Bill Abel (3), como co-productor de “Back To Bentonia” y como músico en otros discos?

Bill forma parte del equipo desde muy al comienzo. Le he utilizado como nuestro ingeniero de grabación en cada uno de nuestros lanzamientos. Le acredité como co-productor en nuestro primer disco porque nos proporcionó muchos y buenos consejos sobre cómo dirigir sesiones de grabación. Es un ingeniero de muchísimo talento y, desde luego, un gran músico por sus propios méritos.

5. ¿Conocías a Roger Stolle antes de Broke & Hungry?
Roger y yo habíamos coincidido un par de veces antes de que yo comenzara con el sello, pero no empecé a conocerle bien hasta después de poner en funcionamiento Broke & Hungry. Desde entonces nos hemos hecho buenos amigos y hemos pasado tiempo visitando juntos juke joints y hogares de músicos. Al final yo comencé a arrastrarle a mis sesiones de grabación y por último nos convertimos en colaboradores en la película M for Mississippi, y ahora tenemos a medias una compañía de producción que se llama Three Forks Music. Últimamente hemos empezado a trabajar en nuestra próxima joint-venture, una película que está programada para ser estrenada en abril de 2012.

6. La elección de cada uno de los músicos ¿fue una decisión únicamente tuya o alguien te aconsejó? Por ejemplo, a Odell Harris sólo lo viste una vez y fue en el momento de la grabación.

He sido yo quien siempre ha tomado las decisiones sobre a quién grabar para Broke & Hungry, pero he tenido en cuenta los consejos de los demás. Tanto Roger Stolle como Lightnin’ Malcolm (4) me recomendaron a Odell Harris. Aunque le había oído antes de la sesión, Roger y Malcolm me aseguraron que merecería la pena el tiempo, la energía, el dinero y los dolores de cabeza que llevarían grabarle. Tenían razón….. ¡fue un quebradero de cabeza!

7. ¿Fue esa la sesión de grabación más complicada?

La sesión de Odell fue indudablemente complicada. No se encontraba a gusto en ese entorno. Es una persona que prefiere tocar de modo informal para los amigos y le gusta saltar de una canción a la siguiente. No le gustaba cuando le pedía que repitiera una canción más de una vez y tampoco ponía ningún interés en cantar delante del micrófono. Fue una sesión difícil. Desde luego, hubo otros desafíos durante la sesión. Empezamos a grabar en un club de blues después de que cerrara por la noche. Por desgracia, el propietario invitó a un puñado de amigos a que estuvieran presentes pero hacían mucho ruido e interrumpían la sesión. Cuando les pedí que dejaran de hacer ruido casi hubo un momento de fuerte tensión. La totalidad de la noche fue realmente complicada, pero al menos la finalizamos y salimos con una gran grabación.

8. ¿Qué puedes contar de Wesley Junebug Jefferson? Fue un músico bastante importante en el área de Clarksdale pero no muy conocido. Creo que tu CD fue su primer álbum si descontamos una recopilación que salió en cassette editada por Rooster Records. Tal vez el concepto de Broke & Hungry es grabar a este tipo de artistas.

Wesley fue un magnífico artista y un encanto de persona. Estoy muy contento de haber podido trabajar con él antes de que falleciera. Wesley grabó en los años 90 un disco en directo en el Do Drop Inn en Shelbey, Mississippi, pero nunca estuvo ampliamente distribuido. “Meet Me In The Cotton Field”, el disco que le produje junto a Terry “Big T” Williams, fue el primer disco que ambos tuvieron con una auténtica distribución.
La idea que hay detrás de Broke & Hungry Records es la de grabar a artistas con los que la gente no está muy familiarizada o aquéllos que han sido olvidados.

9. En relación a Mississippi Marvel (5), ¿cómo entraste en contacto con él? Yo no vivo en EEUU, pero en los tiempos actuales parece increíble que aún siga existiendo la distinción entre la música del diablo y la música de la iglesia. ¿Es cierto todo lo que está recogido en las notas del disco? Habiendo más gente involucrada en el secreto, ¿no crees que sería más fácil que alguien pudiera revelarlo?
No eres el único que duda de la historia, pero es completamente cierta. Yo ví al hombre a quien ahora llamamos “The Mississippi Marvel” tocando en un juke joint en el Mississippi rural. Apunté sus datos personales y me mantuve en contacto con él. Durante un año intenté convencerle para que grabara pero seguía dándome largas. Al final me explicó que no quería que yo usara su nombre auténtico debido a su afiliación a la iglesia. Entonces se me ocurrió utilizar un nombre falso. Firmé un contrato prometiendo no revelar su identidad y así hicieron los demás involucrados en el proceso de grabación. En los últimos meses me ha dicho que en algún momento podría darme el permiso para revelar su nombre pero que aún no está seguro.

10. ¿Es Jimmy Duck Holmes tu músico más representativo? Al menos es el que tiene publicados más discos, (“Back To Bentonia”, “Done Got Tired of Tryin’” y “Ain’t It Lonesome”)

Una de las principales razones por las que Jimmy tiene tres discos es por ser el único de los músicos con los que he trabajado que escribe gran parte de su repertorio. Algunos de los otros artistas sólo conocen unas cuantas canciones para rellenar un disco. Otro factor es que Jimmy está deseando viajar a festivales y clubs por todo EEUU lo que le permite con más facilidad vender sus discos.

11. ¿Por qué decidiste grabar a Pat Thomas?
Siempre fui un gran fan de la música de James “Son” Thomas, el padre de Pat, quien murió en 1993. Pat toca muchas de las canciones de su padre y suena bastante parecido a él así que la decisión de grabarle fue muy fácil. Es un fantástico cantante y un guitarrista interesante.


12. ¿Nos podrías dar información adicional a la escrita en las notas del disco sobre cómo Roger Stolle y tú decidisteis comenzar el proyecto de “M For Mississippi”(6)?

Durante un par de años estuvimos pensando en trabajar en un proyecto conjunto, pero nos llevó un tiempo desarrollar el concepto que luego trabajamos. Originalmente pensamos en un proyecto parecido a las series “Living Country Blues” de L + R en los años 80: desplazarnos por el Delta y hacer muchas grabaciones de campo durante un corto espacio de tiempo. Al final cambiamos la idea ligeramente. Viajamos por Mississippi visitando a grandes artistas de blues y decidimos incluirlos en una película en vez de en una serie de discos. Queríamos que los aficionados al blues no sólo escucharan la música para que así tuvieran una visión mejor de los músicos que la hacen.


13. ¿Cómo conseguiste que también apareciera Mississippi Marvel en el film?

Como cuando el CD, prometimos no mostrar su cara ni dar su nombre. Hemos desarrollado ya una atmósfera de confianza y es muy fácil trabajar con él.

14. ¿Crees que todavía quedan más músicos interesantes de country blues en el Sur por grabar?

Completamente. Hay una buena cantidad de viejos músicos en la región que no han grabado y creo que hay aún artistas esperando a ser descubiertos. Sin embargo, hay cada vez menos músicos de country blues cada año y, por desgracia, no hay muchos músicos más jóvenes que toquen este estilo y este número se está reduciendo cada año que pasa.

15. ¿De qué disco estás más orgulloso?

Es difícil de responder. Producir un disco es como tener un hijo. Todos son distintos pero cada uno es especial a su manera.

16. Antes de la publicación del último disco, “Mistakes Were Made”, creo que la idea era hacer una recopilación de lo ya grabado anteriormente donde los compradores elegirían una canción y darían una opinión sobre ella. El disco al final ha resultado ser un doble CD con algunos temas no publicados anteriormente.

Esa es realmente la recopilación para el disco. Pregunté a los consumidores qué canciones querían ver incluídas y de ellas puse cinco.

17. ¿Podrías explicarnos a qué tipo de errores te refieres o qué decisiones de negocio discutibles has tomado?

He cometido un montón de errores. Primeramente soy un aficionado y en segundo lugar un productor. Por ello, mi enfoque ha sido siempre hacer el tipo de disco que un auténtico aficionado al blues quiere escuchar…no una grabación que venda grandes cifras. Respecto a las decisiones discutibles, básicamente cualquier cosa en el campo del blues rural conduce a un mal negocio. No hay suficientes aficionados a este tipo de música como para hacerlo rentable.

18. ¿Crees que podría haber un nuevo boom en el blues rural como ocurrió en los años 60 o no es fácil en los tiempos que corren? ¿Cómo es la escena del country blues en el Sur de EEUU?

Por desgracia no tengo mucha confianza en el renacimiento del blues rural. Sencillamente, no hay suficientes músicos jóvenes que continúen la tradición y la audiencia para esta música es bastante reducida. Es cierto que ocasionalmente un artista, como R. L. Burnside, capta la atención del resto del mundo, pero no parece que esto ocurra para el resto de la comunidad de blues rural. Odio ser negativo al respecto, pero me temo que el sol se pone sobre la cultura del blues rural.

19. ¿Has obtenido algún reconocimiento por tus esfuerzos en grabar a estos músicos y han obtenido estos músicos el reconocimiento que se merecen para poder actuar por los EEUU y el resto del mundo? Algunas revistas de blues especializadas quizás no hablen demasiado de sellos como el tuyo sino que, en términos generales, prefieren escribir, por ejemplo, de Joe Bonamassa en vez de hacerlo sobre Terry “Big T” Williams.

Hemos recibido bastante reconocimiento por nuestra labor, y estamos muy orgullosos de ello. Hemos ganado muchos premios y se han escrito críticas favorables sobre nuestros artistas en un buen número de revistas. Por desgracia, esto no significa demasiado a nivel de ventas. Hay una audiencia mucho mayor para otras formas de blues, particularmente el blues rock. Nuestros artistas han sido invitados a tocar en festivales, pero sin duda no han sido la principal atracción. De nada vale quejarse por ello. Sencillamente tenemos que seguir trabajando duro con la esperanza de que podemos hacer nuevos aficionados.

20. ¿Podrías contarnos alguna anécdota?

Hace un par de años, a Roger y a mí nos pidieron que presentáramos la película
M For Mississippi, junto con alguno de los artistas, en el festival de blues de Nottoden en Noruega. Al final acabamos llevando a T-Model Ford, Robert Belfour y L. C. Ulmer. Durante el viaje nuestro avión sufrió una tremenda turbulencia cerca de Oslo. Aunque he volado cientos de veces, esta fue bastante horripilante. Hubo pasajeros que gritaban y lloraban mientras el avión daba tumbos. Poco después me giré hacia T-Model y le dije algo así como “menudo traqueteo”. Me miró durante un minuto largo y respondió: ¿Esto? Esto no ha sido traqueteo. Montar una mula sí que es traqueteo”. T-Model siempre está a punto para unas risas.

21. ¿Qué próximos proyectos tienes en mente?
Roger Stolle y yo hemos comenzado recientemente a filmar la continuación de M For Mississippi. Provisionalmente se titula “We Juke Up In Here” y examina los últimos días de la cultura de los juke jo
int de Mississippi. Tenemos pensado estrenarla en abril de 2012(7).






http://www.brokeandhungryrecords.com

https://www.facebook.com/jeff.konkel





NOTAS
(1) La primera grabación de este tema la realizó Blind Lemon Jefferson en noviembre de 1926 en Chicago
"I am broke and hungry, ragged and dirty too. I say, I'm broke and hungry, ragged and dirty too. Mama, if I clean up, can I go home with you?"

(2) El estilo de blues de Bentonia es bastante complejo, la guitarra está afinada en Re menor abierto, se hace un fingerpicking con tres dedos y no se acostumbra a utilizar slide. El creador más importante de este estilo fue Skip James más tarde continuado por Jack Owens quien tuteló a Jimmy “Duck” Holmes.

(3) Para más información se puede leer la traducción del artículo escrito por Roger Stolle sobre Bill Abel que fue publicada en la Taberna del Blues pincha aquí. Bill Abel ha participado tocando guitarra en los siguientes discos de Broke & Hungry: “Searching For Odell Harris”, “The World Must Never Know!”, “Mistakes Were Made” y en los dos CDs de la serie “M For Mississippi”

(4) Steve “Lightnin’” Malcolm es uno de esos jóvenes músicos blancos de Mississippi que cayó en las redes del estilo del norte de Mississippi denominado North Mississippi Hill country blues, liderado por leyendas locales como Junior Kimbrough o R. L. Burnside. Empezó cantando y tocando batería para luego aprender guitarra. También ha colaborado con otros músicos de esta escena tan particular del blues como The North Mississippi All Stars, Jimbo Mathus, Kenny Brown, David Kimbrough Jr y Cedric Burnside.
Lightnin’ Malcolm aparece tocando guitarra, bajo y principalmente batería en los siguientes discos de Broke & Hungry: “Done Got Tired Of Tryin’”, “Searching For Odell Harris”, “The World Must Never Know!”, “Mistakes Were Made” y en los dos CDs de la serie “M For Mississippi”

(5) Para más información sobre el disco de The Mississippi Marvel, “The World Must Never Know!”, se puede leer el artículo publicado en La Taberna del Blues Pincha aquí

(6) Ver más información aquí

(7) Ver más información aquí

Fotografia de arriba: L.C. Ulmer, Jeff Konkel y Pat Thomas Fotografía de abajo: Wesley "Junebug" Jefferson y Jeff Konkel

DISCOGRAFÍA
1.- Jimmy “Duck” Holmes - Back To Bentonia
2.- Odell Harris - Searching for Odell Harris (el debut discográfico de un músico con 66 años)
3.- Terry "Big T" Williams and Wesley "Junebug" Jefferson - Meet me in the Cottonfield
4.- Jimmy “Duck” Holmes - Done Got Tired of Tryin'
5.- Mississippi Marvel - The World Must Never Know!
6.- M for Mississippi Soundtrack CD, Volume 1
7.- M for Mississippi: A Roadtrip Through the Birth of Blues DVD
8.- Pat Thomas - His Father's Son
9.- M for Mississippi Soundtrack CD, Volume 2
10.- Jimmy “Duck” Holmes - Ain't it Lonesome
11.- Varios Artistas - Mistakes Were Made: Five Years of Raw Blues, Damaged Livers and Questionable Business Decisions

martes, 28 de junio de 2011

II European Blues Challenge

El European Blues Challenge (EBC) es un concurso europeo de blues organizado por la Unión Europea del Blues (EBU). Los días 16 y 17 de marzo de 2012 tendrá lugar su segunda edición, de nuevo en Berlín. En principio, el objetivo de este concurso es intentar promocionar a músicos de blues europeos entre los distintos medios de comunicación, promotores, organizadores de festivales y discográficas europeas.
En la siguiente dirección están las bases del concurso http://concursoebc.blogspot.com/ La fecha límite de presentación es antes del 9 de septiembre de 2011.

En la siguiente dirección (que aún está sin actualizar) http://www.bluesyou.com/ y en el apartado de España hay una amplia información sobre los clubs, festivales, asociaciones, sellos discográficos, promotores, programas de radio y músicos de blues.

martes, 7 de junio de 2011

Richard "Hacksaw" Harney


El año 2011 será recordado en todo el mundo por celebrarse el centenario del nacimiento de Robert Johnson, conmemoración que está siendo acompañada de discos publicados como homenaje, algún festival en su honor, muchos escritos sobre la vida o el perfil del artista y bastantes entrevistas con personajes variopintos como Steven Johnson, nieto de RJ o David “Honeyboy” Edwards, ya cuasi centenario, único vestigio y memoria viva que tuvo contacto con él. Sin embargo quien seguirá permaneciendo en el anonimato es Richard “Hacksaw” Harney, músico a quien también conoció Edwards y sobre el que tres grandes guitarristas de blues como Robert Lockwood Junior, Big Joe Williams y Houston Stackhouse estaban de acuerdo; era de lo mejor que habían conocido. Tal vez los dos llegaron a tocar juntos y Johnson pudo haber tomado ideas de Harney.

Entre 1927 y 1930 Memphis había sido visitado por diferentes unidades de Okeh, Victor o Vocalion para hacer grabaciones de campo, permaneciendo durante varias semanas registrando a los músicos prolíficamente. Entre los artistas del Delta que fueron grabados se encontraban Tommy Johnson, Bukka White, Rubin Lacey y Kid Bailey con Willie Brown. También fue grabado el acordeonista Wal
ter “Pat” Rhodes en 1927, cuyo “The Crowing Rooster” se convirtió en uno de los temas favoritos del Delta a pesar de que el acordeón no era un instrumento usual en el blues. Sus dos acompañantes a las guitarras fueron dos hermanos, “Pete & Can”, de nombres Maylon y Richard Harney. El segundo poseía una técnica envidiable, un rasgueo rápido y un buen estilo tocando fingerpickin’, encontrándose bastante alejado de la escuela de House o Patton, siendo contemplado por la mayoría de los músicos como el mejor guitarrista del Delta. “Honeyboy” Edwards lo cuenta de este modo: “”Hacksaw” Harney era afinador de pianos y recorría los caminos con la guitarra a la espalda y parando en las ciudades donde por 3 dólares afinaba los pianos que le encargaban. Además tocaba la guitarra en las fiestas. Cuando residía en Money, no muy alejado de Greenwood, en ocasiones se acercaba a Shaw, donde yo residía, y los dos junto con Tommy íbamos a un local donde servían whiskey y tocábamos la guitarra. Tommy pilló “Cross Cut Saw” de Hacksaw [en su biografía habla de los hermanos Moore, Andrew y Tommy quienes, sobre todo el primero, eran muy buenos guitarristas. Cross Cut Saw Blues sería grabada en 1941 por Tommy McClenan aunque el autor original fue Harney]. Hacksaw sabía tocar cualquier tipo de música……Interpretaba piezas de ragtime y también tocaba un serrucho. Lo doblaba y lo tocaba con un arco”.

Houston Stackhouse, quien en una entrevista que le realizaron en 1976 mencionó a Earl Hooker como el mejor guitarrista que había escuchado en su vida, afirmó que en los años 30 el mejor era Hacksaw. Robert Lockwood, en otra entrevista hecha por Larry Hoffman, aseguró haber conocido a Hacksaw hacia 1936. En su opinión habría significado una gran influencia para RJ ya que tocaba la guitarra “pero que muy bien”. Era el único que podía competir con él. Lockwood volvió a coincidir en 1940 con Richard Harney en Helena, en el local de un tal Crawford, “Hole in the Wall” lo llamaban. El pianista Willie Love se encontraba en el garito y Hacksaw le pidió permiso para tocar. Willie le respondería algo así como que no le tocara las narices aunque por último Lockwood le convenció. A la postre Willie quedó sorprendido de cómo tocaba el piano, lo hacía igual de bien que la guitarra.

Richard Harney nació el 16 de julio de 1902 en Money, Mississippi. Se crió en Greenwood y en Marvel, Arkansas, con sus 8 hermanos y 2 hermanas. Su padre, de Alabama, había tenido una formación musical en su juventud y enseñó a sus hijos a tocar el violín, la mandolina, la guitarra y el piano. A pesar de ser muy religioso les había permitido tocar en las esquinas de las calles para que pudieran sacarse algo de calderilla, aunque en casa se lo tenía prohibido. Richard comenzó como músico callejero con 12 años acompañando a su hermano mayor Joe. El apodo “Hacksaw” (sierra pequeña para cortar metales) proviene de una muy breve carrera que desarrolló como boxeador. Parece que tocó también el contrabajo en una orquesta de jazz de Cincinati en los años 20. De regreso al Delta montó un dúo con su hermano Maylon y empezaron a ser conocidos como Pet & Can.

El 10 de diciembre de 1927 los dos hermanos grabaron para Columbia, en Memphis, como acompañantes de Walter Rhodes y dos días después se encontraron en la esquina de una calle a la cantante Pearl Dickson que estaba atravesando una mala racha. Fueron en busca del caza talentos de la compañía y le pidieron que les grabara y de ese modo registraron otros dos temas con Pearl, “Twelve Pound Daddy” y “Little Rock Blues”. Su padre les había advertido sobre los peligros de la música del diablo y el tiempo vino a darle la razón ya que Maylon fue acuchillado a la salida de un juke joint antes de que los dos hubieran podido alcanzar merecido reconocimiento. Cuando le preguntaron a Richard qué hizo entonces al encontrarse sin su compañero musical, respondió que tuvo que aprender a tocar por los dos. Uno de los principales impedimentos para que, seguramente, hubiera podido desarrollar una importante carrera musical no fue sólo su tremenda timidez, sino también su ceceo. Los músicos le ridiculizaban por ese defecto pero en cuanto le permitían tocar quedaban extasiados. Si hubiera tenido el temperamento de Earl Hooker quien no se amilanaba a pesar de su profunda tartamudez, no habría permanecido como un oscuro músico a pesar de su sorprendente técnica. Sus guitarristas favoritos eran Blind Lemon Jefferson, Charley Patton y Blind Blake que también tocaba piano. Su vida se redujo a trasladarse de una ciudad a otra, reparando y afinando pianos y manteniendo un circuito reducido a través de Memphis y un área en el Delta comprendida entre Clarksdale y Jackson. Harney iba siempre bien arreglado y transportando las herramientas de trabajo en un pequeño maletín de color negro en el que rezaba la siguiente inscripción “Se afinan pianos”.

En 1969 Gene Rosenthal fundaría en Maryland, junto con un grupo de jóvenes entusiastas del blues de pre-guerra, Adelphi Records. Rosenthal había sido el ingeniero de la sesión de 1964 que se realizó a Skip James para Takoma y que sería publicada con el título “She Lyin’” para el sello Genes. En el verano de 1969 el grupo de gente de Adelphi con el mejor equipo de audio y filmación que consiguieron iniciaron una serie de peregrinaciones por diversas mecas del blues. El primer alto en el periplo fue en Memphis durante la celebración en el mes de junio del Memphis Country Blues Festival que fue filmado y grabado en estéreo. En agosto decidieron, partiendo de Chicago, encaminarse a Saint Louis, Memphis de nuevo y el Delta para capturar en imágenes y en audio al mayor número posible de intérpretes de country blues. El personaje escogido como guía y cazatalentos fue Big Joe Williams. Después de cada sesión y tras alabar la interpretación del artista, Williams decía “Aún no habéis escuchado nada. Ya veréis cuando encontremos a Hacksaw.” En Saint Louis estuvieron con Henry Townsend y Williams repetía la misma cantilena. En cada plaza encontraban algún músico sobresaliente y de nuevo la misma canción “Sí, es bueno, pero Hacksaw le deja en mantillas en un minuto”. Y esto lo decía el músico más celoso del mundo en el plano musical [recomiendo la lectura de la autobiografía de Yank Rachell, “Blues Mandolin Man” dictada a Richard Congress- University Press of Mississippi]. A Hacksaw no lograban localizarle hasta que de regreso y al parar en Memphis lo encontraron ya sin Big Joe. Continuaba trabajando de afinador de pianos. En este primer encuentro lo filmaron; el equipo de Adelphi se encontraba junto con más invitados en una habitación, entonces un hombre negro, mayor, tímido, pidió prestada una guitarra y comenzó a tocar una canción bastante compleja. Cuando finalizó un silencio sepulcral invadía la sala. Un miembro del equipo le preguntó el título de la pieza. “Sweet Man”, pero llevo 20 años sin tocar la guitarra, antes solía ser bueno.” Parte del material de esas grabaciones informales aparecieron en 1971 como parte de un doble recopilatorio de Adelphi, “Memphis Blues Again”. En agosto ya le habían encontrado actuaciones y participó en la trigésimo tercera edición del National Folk Smithsonian Institution, en el River City Blues Festival y en el Ellis Auditorium de Memphis. Por esas fechas fue cuando sufrió un derrame cerebral no demasiado grave que no le impidió hacer alguna gira a principios de 1972 con su viejo amigo Houston Stackhouse, llamándose “Hack ‘n’ Stack”, actuando en las universidades de Illinois, Massachusetts y New York.

En Febrero de ese año grabaría el disco “Sweet Man”. La sorprendente complejidad de lo que intenta aquí es digna de admiración a pesar de haber sufrido ese percance unos 3 meses antes de la grabación. La interrupción de 20 años en su interpretación quitó lustre y brillo a su técnica pero no a su diversidad y riqueza musical. Tres temas estilo preguerra, “Ragtime Blues”, “Laughing Pallet” y “Home Skin Ball”, la pieza “12 Pound Rag # 12” que sugiere un estilo similar al del uso de la mandolina, el “Sweet Man” y un impresionante “Oh Red” en el que canta. Era un hombre que confesaba no saber cantar y que su hermano Maylon era mejor que él. Aprovechando esa sesión también grabarían a Houston Stackhouse en un disco titulado “Cryin’ Won’t Help You” en el que colaboró Harney de segundo guitarrista.

Su salud empezó a declinar limitando sus apariciones hasta que el día de Navidad de 1973 falleció Richard “Hacksaw” Harney, un hombre que desde su timidez hacía sombra a todos los demás, un músico casi desconocido, un guitarrista que prácticamente podía tocar cualquier cosa.

lunes, 18 de abril de 2011

Vamos al grano, Snake Boy

Debió de ser un chulo, un tío echado “palante”, un hombre de pueblo en la gran ciudad donde sus sueños se hicieron realidad. Fue el primero en la banda de Muddy Waters en empezar a vestir moderno, el cabello a la moda afro aunque en las fotos casi siempre aparezca con muy poco pelo o ninguno, una gafas de sol pequeñas y una gran visera, demostrando el orgullo de ser negro. Alguien especial con una voz tremendamente rural, fuerte y potente que permitía imaginarle como un posible sucesor de Muddy. Con él estuvo entre 1966 y 1970 y siempre se recordará más al otro Lutero, a Luther “Guitar Junior” Johnson que se incorporó en 1973. Sus apodos fueron varios, “Georgia Boy”, “Creepin’ Snake”, “Snake Boy”, “Georgia-Boy Snake” y “Snake Mouth“, precedidos del nombre Luther aunque verdaderamente se llamaba Lucious Brinson Johnson.

Nació en la pequeña aldea de Davidsboro en Georgia el 30 de agosto de 1934. Su padre tocaba slide y él echó los dientes escuchando a los guitarristas locales cuando cantaban en grupos de gospel los domingos en la iglesia y tocaban blues los viernes y los sábados. "Santa Claus, que era mi madre, me dejó por Navidades mi primera guitarra. Entonces dejé de recoger algodón y oí hablar de Muddy. Mi ambición era tocar con Muddy y mis sueños por fín se han cumplido" contaría estando ya en Chicago. Aprendió a tocar la guitarra de modo autodidacta. En los años 60 llegó a la ciudad del viento trabajando en ocasiones con Elmore James, Howlin’ Wolf y Junior Wells. Grabaría como Little Luther algunos singles que son rarezas, aunque hoy en día se pueden encontrar, para Checker “Twirl / Eenie Meenie Minie Moe” y para Tarx “Doggin’ Me / Automatic Baby” para acabar uniéndose en 1966 a la banda de Muddy Waters y haciéndose al principio cargo del bajo justo cuando Jimmy Lee Morris dejaba el grupo para volver a su trabajo en la fábrica.


Las aspiraciones de “Snake Boy” eran ocuparse de la guitarra, algo que conseguía cuando Sammy Lawhorn se encontraba demasiado borracho o Pee Wee Madison estaba cabreado con el grupo. Sus maneras en el escenario eran tan "excitantes" que Muddy a veces mantenía a tres guitarras a la vez. La fama de Johnson sobre el peligro que encerraba o las cosas que le sucedían eran corrientes. Jimmy Lee Morris dijo en una ocasión que "estaba escaldado, su mujer le había arrojado alguna mierda hirviendo en su culo, lejía o algo así y lo abrasó, tío ".

El sello Spivey, que había fundado Victoria Spivey en Nueva York junto con Len Kunstadt, grabaría al grupo de Muddy Waters para dos LPs titulados “The Bluesmen of the Muddy Waters Chicago Blues Band” en 1966 y ““The Bluesmen of the Muddy Waters Chicago Blues Band Volume 2” en 1968. En el primero había dos canciones en las que la guitarra y voz solistas fueron de Snake Boy, “Creepin’ Snake” y “Born In Georgia”, mientras que en el segundo disco figuraría como solista en “Been Hurt”. Y en esas canciones se descubren sus maneras con la guitarra que a muchos nos ha cautivado, notas precisas con dos o tres subidas vibrantes que te encogen como un directo al mentón.

Cuando se encargó definitivamente de la guitarra, Lawrence Sonny Wimberley asumió las funciones de bajista coincidiendo con el regreso de S P Leary para su estancia más larga en el grupo; cuando Leary estaba muy borracho entonces Snake tocaba la batería y Muddy la guitarra. Su discografía en esos años como sideman es bastante significativa. En 1966 y con la blues band de Waters, estarían acompañando a Big Mama Thorton en San Francisco para el disco publicado por Arhoolie, a John Lee Hooker en el seudo directo “Live At The Cafe Au-Go-Go” y a Otis Spann en “The Blues Is Where It’s At”. En 1967 Bob Messinger, el manager de Muddy, metió al grupo en el estudio de Alan Douglas que tenía un pequeño sello con su mismo apellido para quien también había grabado Hendrix. Como Muddy tenía contrato con Chess le hicieron figurar como productor. Se grabaron unas 20 canciones que dieron lugar a dos discos, “Chicken Shack” y “Mud In Your Ear” disco en el que sería la voz solista en “Long Distance Call” tema que lo comienza del mismo modo en que acaba. Anteriormente a estas sesiones participaría en otro disco de Spann “The Bottom of The Blues” y en unas sesiones informales en acústico en Montreal grabadas por Michael Nuremberg y que se publicarían como “Muddy Waters & Friends”.

En el mes de febrero de 1968 la banda de Waters llegó a Nueva York. Estaba buscando un armonicista y Snake Boy le habló sobre un chico blanco a quien habían conocido en un show un par de días antes y que se había presentado en el camerino con un amigo. Se llamaba Paul Oscher. Le hicieron la prueba y Muddy quedó muy convencido de las capacidades del jovencito que tenía 18 años recién cumplidos. Después de haber escuchado el sonido grasiento de la armónica, Johnson exclamó "Tiene tono el hijo puta", expresión bastante habitual en el vocabulario de Snake Boy.

Vídeo de Muddy Waters con Luther Snake Boy y Paul Oscher en 1968 en Alemania
A través de http://buttheblues.blogspot.com

Paul Oscher diría de él "Snake era peligroso, yo le vi apuntar con un arma al conductor de un autobús, en la calle 43. Snake tenía un billete de 5 dólares y quería subir. Eran como las 2 de la mañana, él y yo solos. El conductor le dijo que tenía que tener el cambio exacto, Snake empuñó el arma: conduce hijo de puta. El conductor dió las luces largas, la policía estaba por allí y lo encarceló. Así tal cual sucedió". Otra anécdota ocurrida en Nueva York fue a consecuencia del agobio que le producía la gran ciudad. Paseando por Washington Square Park intentó remediar su paranoia y sacando la pistola disparó a los pies de Leary. “Baila hijo puta" le dijo. Por otro lado sus actitudes para ligar en los bares eran infames "Puedo darte un beso allí? y la tocaba el dedo gordo del pie. ¿Puedo besarte aquí? Y la tocaba la rodilla”. Iba al grano y no debían de acabar mal esas aventuras.
En 1968 viajarían por Europa habiendo sido recogidas en LP algunas de las actuaciones: un concierto en un programa de la BBC, un directo en París y la aparición en el festival de Montreux. También tendría una nueva colaboración con Spann para el disco “Cryin’ Time”. Bob Margolin ya empezaba a ser conocido para Muddy Waters aunque entraría oficialmente en la banda al relevar a Sammy Lawhorn a principios de los 70. Margolin conoció a Johnson y recordaba de él que hacía canciones interminables de Wilson Pickett "Don't Knock My Love" u originales del soul como "Give My Check" o "Pull Out Your False Theeth, Baby, I Want To Suck on Your Gums".


Johnson abandonaría a Muddy Waters en 1970 y se establecería por su cuenta en Boston montando varias bandas, rodeándose de músicos de la escena bostoniana como el armonicista “Chicago” Bob Nelson (apodo que le había puesto Muddy que era muy dado a esa faceta, como el de “Georgia Boy“ a Johnson debido a que siempre estaba hablando de que en cuanto tuviera dinero iría a Georgia a visitar a su madre), aunque su grupo más duradero, con el que más se compenetró y con el que grabó dos discos fue el formado por Tony Cagnina a la armónica, “Killer” Carter al bajo y el guitarra Mark “Frisco” Evangelos del cual se cuenta oficiosamente que Muddy quiso contratarlo y éste se negó por lo que Margolin fue entonces el elegido. Si escuchas los dos discos con esta banda “They Call Me The Snake” (estaba en la cárcel por posesión de un cuchillo y borrachera, siendo su manager Harry Chickles y Ray Townley de Muse Records quienes pagaron la fianza) y “Down To The Nitty Gritty” con prácticamente el mismo repertorio grabado en dos diferentes emisoras de radio, te das cuenta de la conexión entre Frisco y Snake Boy con el rollo funky de Carter, canciones impresionantes, envolventes, cortantes y llenas de fuerza como “Woman Don’t Lie”, “Take It Off Him and Put It On Me” o “Down To The Nitty Gritty”.


En 1972 grabaría en Francia con el pianista Sonny Thompson, Emmett Sutton al bajo, Bill Warren a la batería y Dusty Brown a la armónica, el LP “Born In Georgia”, demostrando su versatilidad en tres canciones en acústico y a dueto con la slide de Johnny Shines. En reciprocidad, colaboró en tres temas del disco de Shines “Chicago Blues Festival 1972” grabado también en Francia. “On The Road Again” sería una continuidad del primero, registrado los meses de noviembre y diciembre de ese mismo año también con Shines con una guitarra amenazante, vehemente y profunda a medio camino entre Waters y Hooker. Y en 1975, “They Call Me The Pop Corn Man” para Black&Blue, en París, con piezas un tanto sobrecogedoras como “Lonesome In My Bedroom” acompañado de una banda estelar, con músicos como Lonnie Brooks, Dave Myers, Willie Mabon o Fred Below. En Boston su banda de referencia se deshizo por problemas de salud de Frisco y Johnson y de regreso a la normalidad reemprendería su actividad musical con nuevos miembros como Mark Baker a la guitar y Chris Stovall Brown a la armónica. Sin embargo el 18 de marzo de 1976 falleció a causa de un cáncer en Boston, cuando aún no había cumplido los 42 años.

Este es un vídeo casero para que se escuche a esta bestia parda
Luther Snake Boy Johnson \"Take it off Him and Put it of Me

martes, 12 de abril de 2011

Lacy Gibson 1 Mayo 1936 - 11 Abril 2011

Quizás Lacy Gibson no haya sido demasiado conocido entre los aficionados aunque seguro que muchos lo habéis escuchado, sin recordar que estaba, en el disco de Son Seals "Live and Burning". Además tocó y/o grabó con Jimmy Reed, Earl Hooker, Junior Wells, Buddy Guy, Willie Dixon, Otis Rush, Willie Mabon e incluso acompañó a músicos de jazz de la talla de Duke Ellington o Count Basie. Era un guitarrista versátil, llamativo y con una voz apasionada. No hay más que escuchar "Easy Woman" recogida en el disco "Switchy Titchy".


El 1 de mayo de 1936 nació Lacy Gibson en Salisbury, Carolina del Norte. La familia decidió alejarse de su lugar natal y después de recorrer parte del sudeste de su país acabaron en Chicago en 1949. Aprendió a tocar la guitarra de la mano de su madre y lo hizo con la música hillbilly, estilo que estaba muy moda y se programaba con bastante frecuencia en las emisoras de la ciudad del viento. Sin embargo, a principios de los años 50 y junto con su compañero de escuela Luther Tucker, entraron en contacto por primera vez con el blues. Maestros tuvo bastantes, sobre todo de escucharlos, como T-Bone Walker, B. B. King y, por supuesto, Muddy Waters, el héroe local en esas fechas. Las primeras lecciones le vinieron del guitarrista Lefty Bates (que había tocado y grabado con casi todo el mundo del blues, como Jimmy Reed sin ir más lejos), Wayne Bennett o de su buen amigo, el bajista Milton Rector. Gracias a éste pasó a formar parte de la banda de C.T. Tolbert & His Counts of Rhythm con la que ganó muchísima experiencia en los escenarios. A continuación y junto con Rector se unirían a The Chicago Flames que acostumbraban a tocar en clubs acompañando a cantantes de jazz. Una de estas voces fue la de Geri Mitchun la cual tenía un hijo que era bajista y que más adelante sería su contacto para entrar en la banda de Son Seals.

Lacy fue uno de los músicos que formó parte de las bandas que formaba Earl Hooker. Siempre fue muy crítico con este último ya que su fama de mal pagador era legendaria entre los músicos. Lacy ya sabía que nunca iba a cobrar lo que Earl le prometía pero aún así no dejó de colaborar con él, tal era la atracción que ejercía sobre sus colegas, y de ese modo participó el lunes 17 de octubre de 1960 en la grabación del primer Messin' With The Kid que hizo Junior Wells para el sello Chief. Los dos guitarristas fueron Hooker y Gibson. Tres años más tarde tocaría con Willie Mabon, Billy "The Kid" Emerson y Buddy Guy. El 8 de febrero de 1963 grabaría con Buddy cuatro cortes para Chess, uno de los cuales, una balada soul My Love Is Real y en la que él cantaba, se la adjudicaron en los créditos "erróneamente" a Buddy Guy. Los dos primeros singles a su nombre los grabaría él mismo en el sótano de su casa en el año 1968. El sello que los editó se llamaba Repeto y las canciones se titularon "I Want an Easy Woman" / "I'm Wanna Unmask the Batman" y las del otro single fueron una versión de "The Sky Is Crying" / "She's My Baby". La distribución que tuvieron fue tan limitada como el equipo de grabación empleado. En ese año emparentó con el músico de jazz Sun-Ra y en el mismo sótano grabó en 1970 con su cuñado un LP titulado Wishing Ring a nombre de la Sun Ra Arkestra y que publicó el sello El Saturn, disco del que no salió muy contento ya que toda la música no era muy coherente, según sus propias reflexiones.

Durante 9 años se mantuvo bastante inactivo hasta que apareció la figura de Son Seals y la de Ralph Bass. Gracias a Snapper Mitchun entr
ó en la banda de Son Seals alrededor de 1976, viajando durante 2 años por Europa y EEUU. En cuanto a Bass, había sido productor durante mucho tiempo con los hermanos Chess y le había llegado el momento en que quería realizar una serie de grabaciones para algunos talentos que destacaban en el panorama del blues de Chicago. Su idea era grabar 10 álbumes y que al final quedarían condensados en 5 LPs que publicaría el sello Red Lightnin' bajo el título I Didn't Give A Damn If Whites Bought It. Años después estas series de Ralph Bass serían publicadas por Delmark con algún bonus track. El LP que surgió de estas sesiones "The Ralph Bass Sessions Vol. 1" realizadas en marzo de 1977 tenía a Lacy Gibson en la cara A y a Joe Carter en la cara B, aunque también acompañado de Gibson. Los restantes músicos fueron Willie Black al bajo, Fred Below a la batería y Sunnyland Slim al piano. Ralph Bass aprovechó la presencia de Sunnyland Slim para igualmente grabarle otras sesiones los mismos días, 8, 9 y 16 de marzo y añadiendo a otro guitarrista, Lee Jackson. Más tarde, cuando Delmark publicó estos discos, los llamó "Crying For My Baby" el de Lacy Gibson y "Smile On My Face" el de Sunnyland Slim. También en ese año 1977, el más prolífico para Lacy, participó en el volumen "Chicago Blues Nights Vol. 1" del sello francés MCM, de Marcelle Morgantini, en las sesiones realizadas con Eddie Taylor en el Golden Slipper el 24 de octubre (los otros temas fueron para Eddy Clearwater). Y en enero de 1978 participó en la sesión grabada en directo en el Wise Fools Pub de Chicago con Son Seals publicada por Alligator con el nombre "Live and Burning" y que saldría en un LP doble junto con el "Chicago Fire". A raíz de este disco, Bruce Iglauer incluyó a Lacy Gibson en cuatro canciones para la colección "Living Chicago Blues" aunque se grabaron cinco. La quinta era un cover de B. B. King titulado "I Don't Want Cuttin' Off Your Hair". En estas grabaciones participaría Snapper Mitchun, el teclista King Solomon que acababa también de finalizar su relación con el grupo de Son Seals y un guitarrista francés que tocó con ellos en su gira por Francia, Sebastian Danchin, y autor de la única biografía que existe sobre Earl Hooker. Después de esto tendría una temporada de colaboración con los All Stars de Willie Dixon, un viaje a Europa con Otis Rush, actuaciones con Albert Collins, trabajos locales en Chicago con Abb Locke, Willie James Lyons o Brewer Phillips dirigiendo también una banda que incorporaba al armonicista "Mad Dog" Lester Davenport antes de realizar la última grabación y segundo disco completo a su nombre.

Estamos en 1982, el 8 de Noviembre y el 8 de Diciembre. El sello holandés Black Magic publicó el disco "Switchy Titchy" que, bajo la producción de Dick Shurman y la supervisión de Bruce Iglaue
r, fue grabado en Chicago en Red Label Recording Company. De nuevo participó Sunnyland Slim aunque Allen Batts tocó el piano en cuatro cortes, Snapper Mitchum al bajo, Abb Locke al saxo tenor y Robert Covington a la batería. Este álbum no tuvo el éxito esperado. Además, las giras europeas y más grabaciones cesaron por completo teniéndose que conformar con breves trabajos en pequeños clubs del ghetto. Durante algunos años su mujer y él regentaron un club, el Ann's Love Nest, en los mismos bajos del edificio donde vivían hasta que lo cerraron. En algunas ocasiones Billy Boy Arnold le contrataba como miembro de su banda, habiéndole hecho participar en el festival de blues de Chicago de 1994. Poco a poco su salud se fue deteriorando y tuvo que pasar por el quirófano. Recuperado a medias de sus males, poco se sabía de Lacy Gibson actualmente, lo último es que tenía por compañera de piso a Big Time Sarah quien, a través del facebook de Delmark Records ha adelantado la noticia de su fallecimiento. El pasado lunes 11 de abril falleció de un ataque al corazón.